Découvrez les sorties musicales et les concerts du mois de novembre 2025 mais aussi des mois à venir.
Abyr dévoile un premier album lumineux, pont poétique entre chanson française et nuances orientales
En concert 15 novembre 2025 au Pic (Petit Ivry Cabaret) à Ivry-sur-Seine (94)
La chanteuse et poétesse franco-libanaise Abyr s’apprête à sortir son premier album le 7 novembre 2025. Influencée par Fairuz et Barbara, l’artiste évoque d’une voix caressante les thèmes de l’exil, de l’enfance et des combats de la vie. Composé par Sebka et arrangé par Antoine Rault, cet album lumineux s’impose comme une des plus belles découvertes de la rentrée, fusionnant la chanson française avec de profondes nuances orientales.
Une Voix Caressante pour Raconter l’Exil
L’histoire d’Abyr est intrinsèquement liée à l’exil, puisque l’artiste est née au Liban d’un père libanais et d’une mère palestinienne, en pleine guerre civile. Sa famille a ensuite fui le conflit pour s’installer en France. Cette histoire personnelle profonde alimente sa musique, qui raconte les traumatismes du déracinement, la force de la résilience et le courage des femmes, le tout avec une grande poésie et sensibilité.
Nourrie par les grands auteurs de la chanson française, Abyr propose des textes matures et poétiques, au charme persistant, dans lesquels elle confie beaucoup d’elle-même. Son style, qui touche au plus profond, rappelle la chanson à texte classique tout en étant teinté des nuances orientales, à l’image des influences qu’elle cite, de Fairuz à Barbara.
« Je suis ton voisin » : Le Rêve du Grand-Père
Le premier extrait de cet opus est le titre « Je suis ton voisin », directement inspiré de son histoire familiale. Ce morceau est présenté comme si Abyr s’adressait à nous à la place de son grand-père palestinien, un homme rêvant d’un monde meilleur pour ses enfants. Ce titre annonce la couleur de l’album : un récit intime et poignant, porté par l’intensité vocale d’Abyr.
Cet album fait suite à l’EP La Femme au Bouclier, sorti en 2022. Pour ce premier long-format, Abyr a collaboré avec le musicien Sebka à la composition, tandis que les arrangements ont été confiés à Antoine Rault, connu pour son travail avec des artistes comme Carmen Maria Vega, Lescop ou Forever Pavot, assurant un écrin sonore à la hauteur de l’ambition du projet.
Après la sortie de l’album le 7 novembre 2025, le public pourra découvrir l’intensité d’Abyr sur scène dès le 15 novembre 2025 au Pic (Petit Ivry Cabaret) à Ivry-sur-Seine (94).
Le guitariste prodige Jesse Cook revient à Paris pour une date exceptionnelle à La Cigale
En concert La Cigale, à Paris, le dimanche 23 novembre 2025
Jesse Cook, le maître de la world music métissée et guitariste virtuose, annonce son grand retour en France pour un concert unique à La Cigale, à Paris, le dimanche 23 novembre 2025. Après avoir rempli le Café de la Danse l’année dernière, l’artiste canadien invite le public à un voyage musical envoûtant, fusionnant flamenco, rumba, rock et jazz, et dévoile en avant-première son nouveau single, Forever.
Un jeu de guitare magique entre flamenco et world music
Jesse Cook est une figure incontournable de la musique du monde. Inspiré par des légendes comme Paco de Lucía, Al Di Meola ou encore Nico Reyes des Gipsy Kings, il a su créer une signature musicale unique. Sa démarche repose sur la fusion des traditions : il crée un espace commun où les musiques de toutes les époques et de toutes les régions du monde se rencontrent.
Son style est un métissage subtil et captivant : aux racines du flamenco se mêlent des influences glanées aux quatre coins du globe, de l’Inde à l’Espagne, en passant par Cuba et l’Amérique latine. Cette exploration musicale l’a d’ailleurs mené à cette conclusion, suite à ses deux derniers albums : « qu’on peut aller n’importe où sur Terre sans bouger ».
Une invitation au voyage à La Cigale
Le concert du 23 novembre 2025 à La Cigale promet d’être un moment fort pour les amateurs de guitare et de mélodies entraînantes. Réputé pour son jeu de guitare « magique », Jesse Cook offre sur scène une exploration qui navigue habilement du flamenco au jazz, à la soul et à la world music.
Chaque nouvel album de Jesse Cook, comme son prochain opus attendu en 2026, est une invitation à s’imprégner doucement des ailleurs. En guise d’avant-goût, le guitariste a récemment dévoilé Forever, un nouveau single qui donne le ton de ses futures explorations sonores.
Ne manquez pas cette opportunité de découvrir un musicien accompli, également réalisateur et cinéaste prolifique, dont la musicalité envoûtante saura faire voyager le public parisien.
Absolument ! Voici un article rédigé à partir des informations fournies, avec un titre, un chapô, des intertitres et des mots-clés.
Chet Faker de retour : « This Time For Real », un single puissant en prélude à l’album « A Love For Strangers »
Sortie prévue en février 2026
Chet Faker fait son grand retour avec un nouveau single scintillant, « This Time For Real », disponible depuis le 23 octobre. Ce titre, un hymne pop au refrain irrésistible, est le premier avant-goût de son prochain album très attendu, « A Love For Strangers », dont la sortie est prévue le 13 février 2026. Une introduction parfaite qui rappelle la maîtrise du musicien pour les mélodies entêtantes.
Un hymne pop sur le poids des attentes
Dans « This Time For Real », Nick Murphy – l’artiste multi-récompensé aux ARIA Awards derrière le pseudonyme de Chet Faker – aborde un thème universel et personnel : le poids des attentes qui accompagne souvent le succès artistique. Bien que portant un message profond, le titre est construit comme un nouvel hymne pop au refrain implacable, puissant et somptueusement envoûtant. Il s’agit d’un rappel éclatant du talent unique de l’artiste australien pour créer des accroches mémorables.
Un clip vibrant en terres new-yorkaises
Le morceau est accompagné d’un clip vidéo aussi vibrant que plein d’humour. Les spectateurs y découvrent Chet Faker traversant les paysages iconiques de New York par des moyens de transport inattendus : en jet-ski, en voiture de sport, et même en vélo-taxi ! Cette mise en scène décalée offre une légèreté bienvenue et souligne le côté irrésistible du single.
« A Love For Strangers » : un retour aux sources
« This Time For Real » est la parfaite introduction à l’opus « A Love For Strangers ». Avec cet album, Nick Murphy boucle la boucle et renoue avec cet esprit d’exploration perpétuelle qui l’avait initialement poussé à créer de la musique sous le nom de Chet Faker en 2011. L’album promet de retrouver cette signature sonore qui a fait sa renommée.
Chet Faker : une ascension fulgurante
Depuis ses débuts en 2011, l’artiste a connu un succès extraordinaire. Avec son premier EP, Thinking in Textures, il a remporté le prix Breakthrough Artist of the Year aux Australian Independent Records Awards. Propulsé dans la stratosphère pop, sa reprise de « No Diggity » a figuré dans une publicité du Super Bowl. Son premier album, Built on Glass (2014), s’est hissé à la première place et a engendré les tubes « Gold » et « Talk Is Cheap », ce qui lui a valu de remporter cinq ARIA Awards.
Le 13 février 2026 marquera donc une nouvelle étape importante dans la carrière de cet artiste dont l’impact sur la scène musicale contemporaine n’est plus à démontrer.
Absolument ! Voici un article rédigé sur la base de ces informations, incluant titre, chapô, intertitres et mots-clés, centré sur le projet Fils. et son single « Perro Desperado ».
Fils. dévoile « Perro Desperado », l’hymne d’une génération en quête d’évasion
L’artiste bordelais Fils. (Stéphane Del Castillo) fait entendre sa voix avec le single « Perro Desperado », disponible depuis le 24 octobre. Ce nouveau titre, qui mêle guitares planantes et chant en français, est une fenêtre sur l’introspection et les échappatoires d’une génération désabusée. Il est le point de départ d’une exploration Pop-Indie qui traduit avec franchise l’utopie et le désenchantement du réel.
« Perro Desperado » : Le plaisir coupable de l’évasion solitaire
Le single « Perro Desperado » capture un moment intime et contradictoire : celui où l’on ment à son entourage pour jouir de la solitude. C’est dans cet « état second peu flatteur » que Fils. se permet de composer, choisissant de « voyager sur place mais dans les airs ». Musicalement, le titre illustre cette dualité : des couplets « lessivés » par une guitare rincée contrastent avec un refrain planant soutenu par des guitares nappantes et réverbérées, évoquant la rupture entre le réel et l’imaginaire où l’artiste trouve son refuge.
Une génération entre ivresse et utopie
L’univers de Fils. dépeint la complexité d’une jeunesse qui trouve la réalité « trop absurde pour la croire ». Face à la perte de foi en la politique, cette « génération perdue » exprime son déni dans l’ivresse des week-ends, refaisant le monde dans l’euphorie, le temps d’un « ici on se sent bien ».
Les thèmes abordés vont de l’introspection du Perro desperado qui fuit la folie ambiante, à la séduction et l’attraction chimique d’un « amour d’un soir » qui, le temps d’un « Ce soir », redonne un sens fugace et l’envie d’être meilleur. Malgré le désenchantement, l’œuvre distille un message d’espoir : la possibilité de se relever après le choc de l’acceptation – illustré par le titre « Validé » – pour affronter le monde, bien qu’« avec des points de vie en moins ».
Fils. : L’écho Pop-Indie du confinement
Derrière Fils. se trouve Stéphane Del Castillo, un artiste bien connu de la scène musicale bordelaise, notamment pour son implication dans le projet Mamakilla.
Le projet Fils. a pris racine après une intense période de confinement où l’artiste s’est retrouvé « face à lui-même pendant 2/3 mois ». Cette introspection forcée a donné naissance à des morceaux d’une franchise particulière, des instants de vie traduits sur une toile musicale Pop-Indie. Son style se caractérise par des guitares baignées dans le delay et la reverb et un chant en français. Bien que les influences des années 90 soient perceptibles, Fils. les sublime pour s’adapter à une esthétique contemporaine et personnelle.
Absolument ! Voici l’article rédigé pour le nouveau single de Moi & Michael, avec titre, chapô, intertitres et mots-clés.
« Arrêtez de Faire des Gosses » : Moi & Michael signe un hymne pop sarcastique et engagé
Le nouveau trublion de la chanson française, Moi & Michael, dévoile un single au titre on ne peut plus provocateur : « Arrêtez de Faire des Gosses ». Sous son ton indéniablement sarcastique et son refrain pop léger et entêtant, l’artiste nous livre un hymne déroutant à l’abstinence qui invite à une réflexion profonde sur l’état du monde et l’héritage laissé aux générations futures.
Un titre choc pour un cri d’alarme
Dans ce nouveau morceau, Moi & Michael (alias Michael Sajous) utilise le sarcasme comme une arme pour pointer du doigt les injustices et la « folie de l’humanité ».
Ce single, bien que plaisant à l’oreille, est une véritable invitation à réfléchir à notre monde et au fardeau que nous léguons aux générations futures.
Un clip délirant sous l’œil de Pauline Dupin
Le single est accompagné d’un clip vidéo réalisé par Pauline Dupin, avec Camille Guillemain à la cheffe opératrice. Fidèle à l’esprit caustique du projet, la vidéo met en scène les deux acolytes, Matisse et Simon, qui s’en donnent à cœur joie en tyrannisant le pauvre Michael. Cette mise en image pleine d’humour noir vient renforcer le message du titre, suggérant que l’idée d’avoir des enfants pourrait bien être une « Mauvaise idée ».
Moi & Michael : Un projet né de l’urgence de créer
Derrière le pseudonyme Moi & Michael se trouve Michael Sajous. C’est après ses années lycée qu’il a ressenti une « envie foudroyante » de composer, cherchant un moyen essentiel de s’exprimer et de trouver sa place dans le monde.
C’est « sur le tard » qu’il a acquis ses compétences au cours de ses études de Musicologie, apprenant le solfège, l’arrangement, la MAO et la pratique de plusieurs instruments (basse, guitare, piano). Ses références musicales, riches et inspirantes, vont de Bowie à Philippe Katerine, en passant par les figures emblématiques de la chanson française comme Gainsbourg et Bashung.
L’essence de Moi & Michael se résume à une expérience contrastée pour l’auditeur :
« On vient se détendre, écouter un peu de musique, et on repart plein de doutes, de refrains, de vestes roses, de voix off qui nous hantent, nous submergent, nous font rire mais pire parfois, réfléchir. »
Avec « Arrêtez de Faire des Gosses », Moi & Michael confirme sa position de voix singulière et impertinente dans le paysage de la nouvelle chanson française.
Ralph Gibson : « Vu, Imprevu », quand le génie de la photographie révèle son talent de guitariste ambient
Le légendaire photographe Ralph Gibson, reconnu pour avoir révolutionné le langage visuel dans les années 70, met pour la première fois sa double virtuosité à l’honneur. Avec l’album « Vu, Imprevu », attendu le 31 octobre 2025 chez Melmax Music / Bigaignon, Gibson offre une réinterprétation musicale unique de quinze de ses clichés iconiques. Fruit d’un projet personnel, cet opus est un tour de force guitaristique aux paysages ambient éthérés.
Un dialogue entre l’image et la musique
Le projet Vu, Imprevu est né d’une idée du galeriste parisien de l’artiste, Thierry Bigaignon, qui a réalisé en 2017 que la musique était une passion aussi essentielle pour Ralph Gibson que la photographie, et ce, depuis plus de 70 ans.
Le concept est simple : sélectionner quinze des photographies les plus emblématiques et profondément personnelles de l’artiste (prises entre 1968 et 1990) et composer une pièce musicale originale pour chacune d’entre elles. Cette démarche rare offre l’occasion de revisiter l’œuvre visuelle de Gibson sous un angle totalement nouveau.
Pour l’artiste, cette synergie est naturelle : « la musique est un langage universel et chaque œuvre d’art s’efforce de l’imiter. Fermez les yeux et une photographie ne devient plus qu’un souvenir abstrait. La musique, en revanche, ne peut pas être ignorée. Les oreilles n’ont pas de paupières ».
Ambient et minimalisme produit par Chuck Zwicky
Les 15 titres de l’album sont exclusivement instrumentaux et sont axés autour de la guitare solo avec effets. La couleur musicale s’oriente vers l’ambient, une musique méditative et minimaliste, qui crée des paysages sonores envoûtants.
L’album a été produit à New York par Chuck Zwicky, une référence reconnue pour ses collaborations avec des artistes majeurs tels que Prince, Jeff Beck, et Nine Inch Nails.
Le public peut découvrir ce nouveau pan de l’œuvre de Ralph Gibson avec le premier extrait, « Altar Boy ».
Célébré pour son vocabulaire visuel révolutionnaire dans les années 1970 avec sa célèbre Black Trilogy (The Somnambulist, Déjà-Vu et Days at Sea), Ralph Gibson a toujours mené de front ses deux passions.
Il a découvert la guitare à l’âge de 13 ans et a pris un appareil photo quatre ans plus tard. Depuis lors, il se considère comme un « éternel apprenti », croyant qu’il y a toujours plus à apprendre de ces deux « instruments ». Vu, Imprevu est l’aboutissement de cette double quête artistique, proposant une œuvre où la virtuosité se décline du noir et blanc aux ondes sonores.
Atef : « Les mots qui unissent », l’album vibrant d’une « voix d’ange » entre la chanson française et les musiques du monde
Sortie prévue le 7 novembre 2025
L’auteur-compositeur-interprète Atef est de retour avec son second album solo, « Les mots qui unissent », dont la sortie est prévue le 7 novembre 2025 chez Song for you Production. Cet opus, vibrant et sincère, déploie un message profondément humaniste. À travers sa « voix d’ange » hors norme, l’artiste tisse des ponts entre la chanson française et les musiques du monde, offrant un voyage émotionnel qui explore les grands mouvements de l’âme humaine et l’espoir face au chaos.
Un manifeste humaniste et universel
Atef signe un disque à la fois intime et universel, abordant des thèmes cruciaux tels que l’exil, l’identité, la transmission, l’amour et la foi en l’humanité. L’artiste s’y livre totalement, racontant ses rêves de liberté, la force de l’amour face au chaos, et la ferveur d’une jeunesse qui croit encore au changement. Chaque titre est conçu comme une rencontre, un lien entre le personnel et le collectif, entre les blessures du réel et la beauté du possible.
« Les mots qui unissent est un voyage poétique et humaniste, un souffle d’espoir face aux divisions, un appel à rester sensibles, ouverts, et profondément vivants. »
« Naïf » : Une déclaration de résistance
Le premier extrait de cet album s’intitule « Naïf ». Plus qu’une simple chanson, il s’agit d’une déclaration de résistance pacifique, une invitation à choisir la voie de l’authenticité et de la bienveillance, quitte à être perçu comme naïf aux yeux du monde. Ce titre donne le ton d’un disque qui s’engage sans jamais renoncer à la tendresse.
Un voyage musical sans frontières
Après avoir exploré la soul, la world music et la pop anglaise avec son premier album Perfect Stranger (2014), la musique d’Atef s’est transformée en une riche synthèse de ses influences et de ses nombreux voyages. Bien qu’il chante en français, son œuvre est profondément colorée de musiques du monde, intégrant des sonorités d’Afrique, d’Amérique du Sud, du Brésil, du Cap-Vert, de l’Inde, ou du Mali.
Atef revendique cette fusion :
« J’ai du mal à comprendre les frontières entre les gens et entre les genres musicaux. Quand je découvre une nouvelle musique, elle n’est pas un exotisme avec lequel je me déguise, mais elle devient ma culture, elle entre dans mon ADN. »
Pour donner corps à ce « puzzle universel », Atef s’est entouré de musiciens de renom, notamment Louis Bertignac à la guitare et Levon Minassian au doudouk, ajoutant des textures puissantes à cette chanson française humaniste d’aujourd’hui.
Absolument ! Voici l’article rédigé pour le nouveau single de Léopold Riou, « WTMS », avec titre, chapô, intertitres et mots-clés.
Hades Pop : Léopold Riou nous invite à un voyage intérieur avec « WTMS (Welcome To My Styx) »
Léopold Riou, musicien accompli et figure montante de la scène française, lance un nouveau single personnel et incisif : « WTMS » pour « Welcome To My Styx ». Ce titre, nouvel extrait de son EP à venir début 2026, est une invitation audacieuse à plonger dans son univers. Le Styx, fleuve mythique des Enfers, devient la métaphore d’un voyage intérieur périlleux, celui de la création et de la libération personnelle, porté par un groove absolument irrésistible.
WTMS : Un groove libérateur en solo
Avec « WTMS », Léopold Riou s’éloigne momentanément des riffs rock puissants pour revenir à ses influences pop de jeunesse. Le morceau se distingue par un groove incisif qui rappelle l’énergie de la pop-rap signée par des producteurs prodiges comme Timbaland ou Kanye West, tout en intégrant des sonorités 90’s dans la veine de Bleachers.
Le concept de « Styx » traduit la démarche de l’artiste : un plongeon dans le processus créatif, parfois difficile, mais essentiel pour l’expression et l’épanouissement personnel.
ses nouvelles chansons sont teintées d’une nostalgie adolescente et affirment sa maîtrise de la production contemporaine. Son premier EP, très attendu, est prévu pour début 2026.
Célestin revient en force avec Viens avec moi, un album rock et engagé
Auteur-compositeur-interprète multi-instrumentiste, Célestin (alias Sébastien Rambaud) annonce la sortie de son quatrième album, Viens avec moi, pour le 14 novembre 2025. Déjà porté par le single Eva qui circule sur les ondes, ce nouvel opus promet une direction plus rock et des arrangements riches, tout en conservant la plume acérée et humaniste de l’artiste. L’invitation est lancée pour une série de concerts, avec une date événementielle à La Scène Parisienne le 20 novembre, avant une tournée nationale.
Un virage plus rock et des arrangements personnels
Après l’approche plus sobre de son prédécesseur Débranché, Viens avec moi s’annonce plus musclé, avec une couleur nettement plus rock et des arrangements particulièrement étoffés. Célestin a mis la main à la pâte en signant la majorité des arrangements et en renouant avec son premier instrument : la batterie, qu’il assure lui-même tout au long du disque.
Pour l’accompagner, il a fait appel au guitariste virtuose Julien Lacharme, qui assure l’essentiel des guitares et des basses, en plus de l’enregistrement, du mixage et du mastering. Ces 11 titres, dont les déjà connus Eva et Des Carrés Dans Des Ronds, nous invitent à une aventure sonore où les textes affûtés se posent sur des arrangements rythmés et dansants.
Malice, tendresse et thèmes de société
Fidèle à son engagement, Célestin ne mâche pas ses mots. Comme dans ses précédents albums, il aborde des thèmes de société tels que l’écologie et la politique (Des Carrés Dans Des Ronds, Dans l’ordre), mais toujours avec une dose de malice et de tendresse. Sa plume, héritée de la tradition de la chanson française, est précise, pertinente, pleine de poésie et de sensibilité.
L’album est aussi l’occasion pour l’artiste de se livrer sur des sujets plus intimes : ses états d’âme (Demain est un autre jour), son enfance et son adolescence (Les temps passent), et un hommage à sa petite sœur (Ma sœur). Le récent extrait, Des Carrés Dans Des Ronds, est une critique drôle et piquante de la société moderne.
Découvrez le clip Des Carrés Dans Des Ronds
Entre Brassens et Stromae : un artiste touche-à-tout
Derrière Célestin se cache Sébastien Rambaud, un artiste complet qui aime s’affranchir des frontières et des conventions. Multi-instrumentiste, auteur, compositeur et interprète, sa musique navigue librement entre l’acoustique et l’électronique, traçant un chemin entre Brassens et Stromae. Engagé et rêveur, il partage des messages humanistes et ses valeurs autour de l’écologie, s’adressant « au cœur et à la tête de chacune et de chacun » avec bienveillance et humour. Célestin est également l’un des deux créateurs et performeurs du célèbre duo Fills Monkey.
Concerts : à Paris et en tournée, même « sans électricité »
La sortie de l’album sera marquée par un concert à Paris le 20 novembre 2025 à La Scène Parisienne. Célestin partira ensuite en tournée à travers toute la France (festivals, salles de concert et lieux privés). En parallèle, il développe depuis 2024 des concerts « sans électricité », témoignant de son engagement et de sa volonté d’explorer de nouvelles formes scéniques.
Mots clés: Célestin, Viens avec moi, Sébastien Rambaud, Julien Lacharme, La Scène Parisienne, album rock, chanson française, écologie, politique, Fills Monkey.
Bien sûr, voici un article rédigé à partir des informations fournies :
Mereki : Son nouvel album « Buttercup » et un showcase intimiste à La Mezzanine des Trois Baudets
L’artiste indie-pop globe-trotteuse Mereki fait son grand retour avec « Buttercup », un deuxième album riche en émotions, naviguant entre pop et folk. Pour célébrer cette sortie, l’Australienne installée entre l’Angleterre et Londres invite son public à un showcase exclusif et personnel, le jeudi 27 novembre à 19h, dans le cadre chaleureux de La Mezzanine des Trois Baudets.
Un nouvel opus, journal à cœur ouvert
Après le succès critique de son premier album, Death of A Cloud, sorti en 2023, Mereki nous livre « Buttercup », un recueil de chansons empreintes d’une sincérité désarmante. L’artiste, reconnue pour écrire « avec un cœur grand ouvert », conçoit chaque piste de ce nouvel opus comme une véritable page extraite de ses journaux intimes. L’album déploie un univers pop/folk à la fois rafraichissant et introspectif, où la vulnérabilité devient une force.
L’enregistrement de Buttercup est le fruit d’une collaboration rapprochée. Mereki a co-produit l’album aux côtés de Jerry Bernhardt et Tony Buchen. Le projet a également bénéficié du talent de l’ingénieur du son Luke Oldfield, ainsi que de Paul Hicks, qui a assuré le mixage et le mastering, garantissant une production soignée et une authenticité sonore.
Le voyage créatif de Mereki
Le parcours de Mereki est à l’image de sa musique : riche et en mouvement. Originaire d’Australie, l’artiste a commencé par s’imprégner de la vibrante scène créative de l’est de Los Angeles, où elle s’était établie. Aujourd’hui, son ancre est jetée en Angleterre, partageant son temps entre l’apaisement de la campagne anglaise et l’énergie inspirante de Londres. Ce déracinement et cette pluralité de lieux de vie nourrissent incontestablement son art et la profondeur de ses textes.
Rendez-vous pour une soirée exceptionnelle
L’événement à ne pas manquer est ce showcase intimiste qui promet d’être un moment de partage unique. Mereki se produira sur la scène de La Mezzanine des Trois Baudets le jeudi 27 novembre à 19h. C’est l’occasion idéale pour les fans et les curieux de découvrir en live la douceur et la puissance de « Buttercup », dans une ambiance privilégiée.
Wyll et Faf Larage unissent leurs voix pour un hymne à la tendresse avec “J’voudrais Juste”
L’auteur-compositeur et artiste engagé Wyll revient avec un nouveau single poignant, « J’voudrais Juste », en collaboration inattendue et percutante avec le rappeur marseillais Faf Larage. Ce titre, qui prône l’essentiel et la douceur face à la violence du monde, est porté par un clip chargé d’émotion et d’authenticité.
Un Message Universel : La Tendresse, Richesse Essentielle
Co-écrit par les deux artistes et mis en musique par Elio Antony (connu pour ses collaborations avec Diam’s, Johnny Hallyday, Soprano, etc.), « J’voudrais Juste » est une déclaration puissante. Dans un contexte mondial souvent brutal, la chanson délivre un message simple mais vital : la tendresse est une richesse. Elle invite à se recentrer sur l’essentiel — la valeur d’un geste doux, d’un « je t’aime », le besoin de l’authenticité face au superflu et à la violence. C’est un appel à l’appréciation des moments de douceur qui forgent le véritable bonheur.
Un Clip Emouvant au Cœur de l’Inclusion
Fidèle à son engagement, Wyll a choisi un cadre significatif pour le clip de « J’voudrais Juste », sorti le 7 novembre. Tourné à Marseille, le clip capture un moment unique : un live improvisé offert aux résidents en situation de handicap d’un foyer de vie. Cet instant d’échange et d’émotion pure immortalise la sincérité du morceau et ancre le message de la chanson dans une réalité d’inclusion et de partage, soulignant l’importance du lien humain.
Wyll : Un Artiste au Service de l’Action Culturelle
Ce nouveau single s’inscrit parfaitement dans le parcours de Wyll, un artiste dont l’engagement n’est plus à prouver. Révélé au grand public par « La France a un Incroyable Talent » avec une performance marquante aux côtés de résidents d’un EHPAD, il utilise sa musique comme un véritable outil d’action sociale et culturelle. En 2024, sa stature a été renforcée par sa victoire au Tournoi national des mots à la Maison de la Poésie à Paris, où il a notamment côtoyé Oxmo Puccino. Plus récemment, Wyll a sillonné la France pour une tournée dédiée au thème de l’inclusion en partenariat avec Generali.
Yan Wagner lance « Synchronised », une odyssée électronique en prélude à son nouvel album
Deux ans après l’élégant Couleur Chaos, le producteur franco-américain Yan Wagner fait un retour remarqué avec le single « Synchronised ». Ce titre, qui marque une rupture singulière, est une complainte numérique annonçant un nouvel album prévu pour 2026, où l’artiste poursuit son exploration des émotions humaines à travers la matière électronique.
« Synchronised » : Voyage Sonore d’un Amoureux Digital
« Synchronised » n’est pas un simple single, mais un véritable voyage mouvementé qui témoigne de l’audace créative de Yan Wagner. Le morceau déploie une structure singulière, passant d’un cantique orchestral solennel à un climax drum’n’bass distordu, pour s’achever dans une conclusion résolument cosmique. Au-delà de l’intensité sonore, la chanson porte un message poignant : celui de la complainte d’un amoureux digital dans un monde paradoxalement ultra-individualisé et sur-synchronisé.
Entre Studio et Cinéma : Une Figure Incontournable
Ces dernières années, Yan Wagner s’est imposé comme une figure clé de la scène alternative française, multipliant les projets de haut vol. On l’a notamment retrouvé aux côtés de Gesaffelstein, en tant que proche collaborateur sur l’album Gamma, et a participé aux projets de groupes comme Anoraak et Il Est Vilaine.
Son talent de compositeur s’est également illustré au cinéma, avec la signature de la bande originale du long métrage Animale d’Emma Benestan, saluée pour sa justesse et sa sensibilité, prouvant la dimension cinématographique de son œuvre.
Synth-Pop, Cold-Wave et Précision Analogique
Producteur, compositeur et chanteur, Yan Wagner construit une musique à la croisée des genres : synth-pop, cold-wave et électronique cinématographique. Son style se caractérise par un équilibre précis entre émotion contenue et précision analogique.
Fidèle à sa quête d’équilibre entre intériorité et intensité, « Synchronised » est le premier jalon d’un prochain album très attendu en 2026. Yan Wagner continue ainsi d’affirmer son œuvre, où la sensibilité humaine dialogue avec la perfection des machines.
Alexandrie célèbre les « Rockstar » ordinaires dans son nouvel EP
L’artiste Alexandrie dévoile son deuxième EP, un hommage sincère et décomplexé aux lieux communs et aux figures légendaires de la France de la zone commerciale et de la salle des fêtes. Entre second degré et humilité, ce nouveau chapitre musical, résolument pop, se révèle être une quête de résilience, puisant ses influences chez Étienne Daho, Malik Djoudi et Daniel Balavoine.
La poésie de la « France du milieu »
Le nouvel EP d’Alexandrie propose une photographie sonore qui parlera à quiconque a connu la vie en périphérie urbaine : le parking de zone commerciale, la salle des fêtes sous les néons blafards, ou la boule à facettes illuminant la piste.
L’artiste rend hommage à ces lieux communs, ni grands, ni laids, ni beaux, mais profondément mémorables. Il célèbre ces espaces familiers et leurs histoires, parfois honteuses, parfois glorieuses, qui transforment leurs protagonistes en « Rockstar » locales et légendaires. Ce regard, sans artifice et empreint de sincérité, est au cœur de son programme musical.
Un virage organique pour plus de résilience
Pour ce second opus, Alexandrie adopte une nouvelle recette, à base de second degré et d’humilité, des ingrédients qu’il juge nécessaires et apaisants face à la folie du monde.
Musicalement, ce chapitre marque une évolution vers plus d’organique. Dans sa quête de résilience, l’artiste remplace la boîte à rythme par la batterie – désormais instrument central – et intègre avec plus de présence la basse et la guitare électrique. Toujours aussi pop dans l’âme, ce nouveau son s’inspire autant de l’élégance d’Étienne Daho et de la sensibilité de Malik Djoudi, tout en portant l’empreinte de son héros de toujours, Balavoine.
« Rockstar » : Le single, drame personnel transformé en hymne pop
Le titre phare de l’EP, « Rockstar », est inspiré d’une histoire malheureusement bien réelle : celle d’un artiste qui voit ses œuvres perdues suite à un cambriolage.
De ce drame personnel et du vécu, Alexandrie a su rebondir pour en faire la chanson la plus lumineuse et entraînante de cet EP. Ce single pop, dont le clip est déjà disponible, est une véritable invitation à chanter à tue-tête, transformant la mésaventure en un hymne de résilience joyeuse.
Bien sûr, voici l’article rédigé avec titre, chapô, intertitres et mots-clés, basé sur les informations fournies. J’ai également inclus la bande-annonce de la tournée.
Stahlzeit : La folie Rammstein de retour à Paris pour l’« Anniversary Tour 20 Plus »
Le phénomène Stahlzeit, reconnu comme le tribute show de Rammstein le plus spectaculaire d’Europe, annonce son retour en France. Le groupe enflammera La Seine Musicale à Paris le samedi 28 mars 2026 pour une soirée s’annonçant hors normes, alliant une puissance sonore massive à des effets pyrotechniques d’une précision millimétrée.
Une expérience sensorielle complète et explosive
Stahlzeit se distingue par sa volonté constante de repousser les limites du spectacle hommage. Chaque concert est une expérience sensorielle complète, qui fusionne l’héritage musical de Rammstein avec une production scénique impressionnante.
Le groupe reproduit fidèlement la scénographie, l’énergie et surtout l’arsenal visuel du groupe allemand, faisant de la pyrotechnie hors normes l’élément central de leur performance. Le tout est exécuté avec une précision chirurgicale, garantissant aux fans de revivre l’intensité d’un concert de Rammstein.
Hélium Vetter, le double vocal de Till Lindemann
Depuis plus de 15 ans, Stahlzeit sillonne les plus grandes scènes européennes avec un spectacle d’une intensité rare. Le succès de ce tribute show réside notamment dans la performance vocale bluffante d’Hélium Vetter, le chanteur, qui est un véritable double vocal de Till Lindemann.
Porté par cette performance maîtrisée et le respect de la légende allemande, Stahlzeit a conquis des milliers de fans à travers le monde.
L’« Anniversary Tour 20 Plus » : Voyage à travers l’héritage Rammstein
La tournée 2026, intitulée « Anniversary Tour 20 Plus », s’annonce comme la plus ambitieuse jamais produite par le groupe. Elle emmènera le public dans un voyage à travers toutes les époques de l’héritage de Rammstein, promettant de nouvelles scénographies et un arsenal visuel digne des plus grandes productions rock.
Ne manquez pas cette occasion de vivre la légende Rammstein à travers le phénomène Stahlzeit !
Vonsharon dévoile « dm for collab » : un rock abrasif né de l’urgence et de l’engagement
Le duo breton vonsharon annonce la sortie de son nouveau single, « dm for collab », le 14 novembre, accompagné de son clip. Ce titre coup-de-poing, premier extrait de leur album text when you get home (prévu en février 2026), explore la vulnérabilité en ligne et s’inscrit dans l’urgence d’un rock brut et habité, né dans le sillage des attentats de novembre 2015.
« dm for collab » : un riff décapant pour une crainte contemporaine
Après un premier EP remarqué (Yikes, 2023), vonsharon, formé par Maxim Castel-Charron et Noël Tupin, revient avec un morceau porté par un riff puissant. Intitulé « dm for collab », le titre met en lumière une thématique contemporaine et anxiogène : la vulnérabilité en ligne.
Pères de famille, les deux musiciens expriment leur crainte face à la facilité avec laquelle il est possible d’entrer dans la vie d’un enfant en restant caché derrière un écran. Le single sert de véritable cri d’alarme contre cette réalité insidieuse.
Vonsharon : Un rock brut à la croisée des genres
Le duo breton façonne un rock brut et habité, qui se positionne à la rencontre de plusieurs influences majeures. On y retrouve l’urgence directe héritée de Blood Red Shoes, l’intensité du songwriting de Hanni El Khatib, et la hargne abrasive de DITZ.
De leurs quatre mains, Maxim Castel-Charron et Noël Tupin cisèlent des chansons aux textes travaillés, naviguant entre l’ennui, la colère sincère, l’ironie, l’envie de fuite et la lucidité.
Une date symbolique : L’urgence née du Bataclan
La sortie du single « dm for collab » le 14 novembre n’est pas un hasard. Elle coïncide avec les dix ans des attentats du 13 novembre 2015. Ce soir-là, le chanteur Maxim Castel-Charron était au Bataclan et a survécu à l’horreur.
Ce moment a laissé plus qu’une marque : il a généré une force vitale à canaliser. C’est de cette faille qu’est né vonsharon, jouant « comme on respire après l’apnée : sans réfléchir, sans politesse, avec urgence. »
Ce single est le premier extrait de leur prochain album, ‘text when you get home’, dont la sortie est annoncée pour le 13 février 2026.
Mercredi sur la Lune #1 : Une Compilation Intime de Chansons d’Artistes pour Leurs Enfants
La compilation « Mercredi sur la Lune #1 », dont la sortie est prévue le 3 octobre 2025, réunit onze artistes de la scène pop indépendante autour d’une question simple mais profonde : « Que chantez-vous à votre enfant ? ». Ce projet propose onze titres, allant de reprises célèbres à des inédits écrits sur mesure, offrant un aperçu intime des liens qui unissent un parent à son enfant, au-delà des simples chansons pour enfants.
Un Recueil d’Histoires Universelles et Intimes
Tel un regard discret posé sur le cocon familial, l’album « Mercredi sur la Lune #1 » rassemble des morceaux qui, d’ordinaire, ne quittent pas la sphère privée. Ces onze chansons sont autant d’histoires intimes qui résonnent d’une manière universelle.
La preuve en est la diversité des artistes et des thèmes abordés :
- L’émotion des pères : Guillaume Léglise promet à sa fille que la séparation n’altérera en rien leur lien avec le titre Mon temps. Ricky Hollywood offre une douceur métaphysique en racontant l’univers à son tout-petit dans L’infini.
- Les duos intergénérationnels : La Féline et son fils Nils livrent une version de Bonjour (fabulette d’Anne Sylvestre) comme un « mantra plein d’ondes positives ».
Entre Berceuses et Reprises Surprenantes
La compilation ne se limite pas à des berceuses, mais en propose d’admirables9. Endors-toi, signée Jérôme Pichon (guitariste pour Nouvelle Vague ou Melody’s Echo Chamber) 10, est née dans la chambre de sa fille quand elle était bébé. Dorothée De Koon (actrice et musicienne) apporte une touche d’humour avec Pas poser la tête, une ritournelle évoquant l’attente d’une mère face à la quête de sommeil de son enfant.
Des reprises cinématographiques surprenantes viennent enrichir l’album:
- Renan Luce et sa fille proposent un duo guitare-voix aérien sur Edelweiss (extrait de La mélodie du bonheur).
- Anne Darban enveloppe India song (extrait du film éponyme de Marguerite Duras) de pianos tourbillonnants et de sa voix délicate.
Une Traversée Musicale et Culturelle
L’album invite également au voyage:
- Lilimarche (multi-instrumentiste) reprend Duerme Negrito, un hymne folklorique anonyme dénonçant l’esclavage, popularisé par Mercedes Sosa, faisant traverser l’Atlantique à l’auditeur.
- Fabienne Debarre (ex-Evergreen) plonge sous les mers avec Turritopsis, nommée d’après une petite méduse.
- Julien Ribot (avec sa co-autrice Annabelle) propose un « tube pop pré-natal » avec Coco Jo, une chanson dédiée à sa petite fille très attendue.
Le voyage s’achève avec une note classique : Olivier Marguerit (compositeur pour le cinéma) ferme le disque avec le piano et les chœurs sur une revisite du Prélude en Si mineur de Bach, arrangé par Alexandre Siloti.
Ces onze titres servent de ponts lancés à travers les générations, qu’ils soient des morceaux ayant bercé les parents, des duos improvisés ou des œuvres inédites. Le projet est distribué par Modulor et est aussi lié à une boutique pour enfants du 12ème arrondissement de Paris nommée Mercredi sur la Lune.
SCRATCH MASSIVE : Une « RESURRECTION » explosive en feat. ZAMILSKA et un live événement à l’Olympia
Après le succès critique de leur dernier opus, « NOX ANIMA », le duo iconique de l’électro française, SCRATCH MASSIVE, fait un retour fracassant. Ils dévoilent le single « RESURRECTION », une collaboration incandescente avec la productrice polonaise ZAMILSKA, et annoncent un concert très attendu à L’Olympia en février 2026, prélude à un nouvel album.
« RESURRECTION » : Le choc techno industriel
SCRATCH MASSIVE, composé de Maud Geffray et Sébastien Chenut, marque son grand retour avec un titre-choc : « RESURRECTION ». En featuring avec ZAMILSKA, une artiste dont le travail a été salué par des figures comme Nine Inch Nails et Iggy Pop, le morceau est une véritable décharge d’énergie.
Ce nouveau single s’inscrit dans une esthétique techno radicale et sans concession. Il propose une rythmique martiale et industrielle, traversée de synthés rave percutants et de chants tribaux lointains. Un son brut qui réussit la fusion entre l’EBM, l’electronica et la techno pure. Ce titre annonce clairement une nouvelle ère pour le duo, prêt à explorer des zones sonores encore plus dures et incisives.
Scratch Massive : Plus de vingt ans d’exploration sonore
Depuis plus de vingt ans, le duo a façonné un son unique, naviguant avec brio entre l’ambiance des clubs et l’esthétique du cinéma. Inspiré par la cold-wave et les bandes originales des années 80, leur univers est à la fois sensuel et glacé, mêlant synthés analogiques, pulsations hypnotiques et une mélancolie magnétique distinctive.
Leur œuvre est une exploration constante des zones troubles, où la tension émotionnelle se transforme en matière sonore. Après des collaborations remarquées sur « NOX ANIMA » avec YELLE et JEANNE ADDED, ce nouveau chapitre promet une plongée immersive et introspective dans leur univers nocturne.
Rendez-vous à L’Olympia
Ce retour est doublement événementiel. En plus de ce single explosif, SCRATCH MASSIVE donne rendez-vous à son public pour un live exceptionnel à L’Olympia à Paris, le vendredi 13 février 2026.
Ce concert sera l’occasion d’anticiper la sortie de leur prochain album, prévu pour le premier trimestre 2027. Un retour à ne surtout pas manquer pour tous les amateurs d’électro sombre, puissante et émotionnellement chargée.
En attendant, retrouvez le live-report de leur concert en février 2025 à l’hôtel Grand Amour.
Heroe dévoile « FAILLE », un premier EP en français, intime et mélancolique
Fort de ses 25 millions d’écoutes en anglais, l’auteur-compositeur-interprète Heroe (Mehdi Nacer) franchit un nouveau cap en sortant son tout premier EP entièrement en français, intitulé « FAILLE ». À travers une pop intimiste et vaporeuse, il explore avec sensibilité les thèmes de l’amour, de l’espoir et de la mélancolie. La focus track « Heureux » incarne parfaitement ce désir fragile de bonheur à deux.
« FAILLE » : Un autoportrait musical en français
Après avoir conquis un public anglophone, Heroe se révèle désormais dans sa langue maternelle. L’EP « FAILLE », disponible depuis le 14 novembre, est une collection de titres où se mêlent textes sensibles et une cadence indie subtile, dessinant un univers profondément intime.
La musique d’Heroe est décrite comme une pop intimiste, sensible et vaporeuse, idéale pour servir de bande-son aux moments déterminants de l’existence. Dans cet EP, l’artiste propose une musique brute, sincère et imagée, s’affranchissant des barrières.
Entre Patrick Watson et Terrenoire : Les influences d’un Romantique
Heroe, de son vrai nom Mehdi Nacer, est un artiste franco-marocain de 32 ans, amoureux de l’imaginaire. Son style se situe à une croisée artistique fascinante : l’aspect organique de Patrick Watson, la finesse des textes de Terrenoire, et la mélancolie de Bon Iver.
L’EP est un lieu de sincérité cathartique. Heroe, qui a grandi avec l’imagerie romantique de films comme Into The Wild, assume une mélancolie joyeuse. Il chante ce paradoxe d’être « Heureux d’être triste », car comme il le formule dans sa chanson phare : on sera « Heureux, mais peut-être pas comme on le croit ».
L’évolution d’une plume douce
Installé à Paris, Heroe a opéré un tournant artistique vers le français, influencé par des artistes comme Terrenoire et Oscar Anton. Ce changement lui permet de développer une écriture douce, sincère et apaisante, toujours empreinte de cette tendre mélancolie qui est sa signature.
L’EP « FAILLE » n’est pas seulement un recueil de chansons, c’est l’entrée du public dans le monde de Mehdi, un artiste normand qui prouve que l’on peut célébrer le bonheur tout en embrassant ses propres fragilités.
Little French Reporter 